В русской культуре до XVII века не было понятия «театр», но публика развлекалась через многочисленные представления, в старославянских традициях иногда жители переодевались, чтобы отпугнуть нечистую силу и отвести от себя беду - это происходило на праздники: Святочная неделя, Иван Купала, Масленица.
Скоморохи
Ещё в Древней Руси многие народные обряды включали развлечения и потешные сценки с участием скоморохов, так называли всех народных артистов:
- Музыкантов;
- Акробатов;
- Шутов;
- Ряженых;
- Певцов.
Существовали так называемые «дружины скоморохов» — творческие объединения артистов разных жанров, они путешествовали и давали представления в населённых пунктах, бродячие скоморохи жили за счет пожертвований зрителей, которые в основном рассчитывались продуктами питания.
Самым популярным жанром представлений была народная комедия, бояре и князья переманивали к себе талантливых народных артистов, многие представители власти держали свои ватаги скоморохов:
- Царь Михаил Фёдорович;
- Дмитрий Пожарский;
- Иван Шуйский.
Отдельного внимания заслуживают комедийные постановки с участием кукол, больше всего людям нравились персонажи медведя и козы с деревянными ложками, выступления сопровождались исполнением народных песен, бытовых сказок.
На каждом деревенском празднике или ярмарках обязательно были скоморохи, нередко их импровизация перерастала в народные гуляния и веселье.
Но не всех радовали умения скоморохов, православная церковь осуждала ношение короткой одежды и масок, а это были атрибуты многих артистов, за что церковные власти подвергали народных потешников гонениям, к тому же поведение скоморохов нередко противоречило традиционному русскому укладу.
К середине XVII века бродячие скоморохи начали менять свой род занятий, многие переключились в музыкальное направление, импровизированные народные представления заменил театр.
Театральное искусство Российской империи
Профессиональное лицо русский театр обрёл при царе Алексее Михайловиче.
Императорский (придворный) театр основал лютеранский пастор Грегори, по государеву указу он набрал группу талантливых артистов и начал учить их комедийным миниатюрам., для постановок привлекали иностранцев из Немецкой слободы, а в качестве музыкального сопровождения ставили инструментальную музыку.
Впервые в русской культуре для представлений использовали декорации, в которых прослеживалась линейная перспектива, артисты пели и танцевали, показывая разные сценки, театр начали воспринимать как своеобразное зеркало, отражающее современную жизнь.
Императорские театры существовали за счёт средств императорского двора.
К постановкам привлекали зарубежных деятелей, поэтому многие элементы, декорации и произведения были заимствованы с западной сцены, успех нового направления стимулировал открытие других видов театра:
- Школьные театры - первым стал театр, созданный при Славяно-греко-латинской академии, здесь ставили спектакли к праздникам, вовлекая весь школьный состав: преподаватели писали сценарии, а ученики выступали на сцене.
- Крепостные театры, ставшие уникальным явлением культуры России. Некоторые дворянские семьи открывали свои частные театры, в которых играли крепостные крестьяне, в том числе женщины. Из труппы популярного театра Шереметьевых вышла Прасковья Жемчугова-Ковалёва. Крепостная актриса, получив вольную, обвенчалась с графом Николаем Шереметьевым и стала графиней.
- Публичный общедоступный театр, созданный по распоряжению Петра I в 1702 году, специально для него построили «Комедиальную храмину», отдельное здание на Красной площади в Москве. Скоро профессиональные и любительские труппы стали создаваться во всех регионах России.
Развивались и другие направления сцены, массовый зритель начал посещать театральные представления во второй половине XVIII века, очень скоро театр стал важной частью русской культуры.
Театр в СССР
Советская власть делала акцент на пропаганду коллективизма и поддерживала развитие искусства в этом направлении, главными положительными героями стали «простые советские люди», пролетарии.
Негативные сатирические образы — это тунеядцы, алкоголики, прогульщики и прочие антисоветские элементы, по всей стране создавали новые театральные коллективы, открывали здания театров, труппы гастролировали по всей стране, выезжали на фронт, именно там зародился такой вид представлений, как коллективные инсценировки под открытым небом.
Постепенно на первый план вышла человеческая судьба, особенности формирования характера, отражение реальных событий (через призму пропаганды), любимым жанром оставалась сатира и комедия, самым известным в этом направлении был театр Мейерхольда: билеты на агитационные сатирические спектакли заканчивались очень быстро.
Мейерхольд брал классические произведения, добавлял в сценарий трюки, юмор и превращал их в зрелищные представления, но часто такие постановки теряли глубину и драматизм — так произошло при выходе спектакля по мотивам произведения Островского «Лес», однако публика восприняла сатирическую интерпретацию классики с большим восторгом.
На сцене МХАТа (Московского художественного академического театра, созданного Станиславским и Немировичем-Данченко в 1898 году) ставили спектакли, раскрывающие духовные переживания человека.
Сам Станиславский внес огромный вклад в развитие театрального искусства, создав уникальную систему работы актёра над образом, для него было важно объединить внутренний мир и поведение актёра с образом героя.
Комедия Островского «Горячее сердце», поставленная примерно в то же время, что и «Лес» в обработке Мейерхольда, была раскрыта через яркие образы главных героев, на десятилетия вперёд она задала планку развития советского театра при постановке классики.
После прихода к власти Сталина в театре начали высмеивать всё, что имело отношение к Западу.
Запрещалось пародировать должностных лиц СССР и партийных работников, оттепель 60-х годов открыла дорогу для новых направлений, был создан театр на Таганке под руководством Любимова, где ставили поэтические, площадные спектакли, отказавшись от постановок социального реализма.
Место стало популярным в Москве и во всём Союзе, хотя официально его относили «низкосортным» театрам — ниже в официальной иерархии стояли только самодеятельные коллективы.
В это же время в Советском Союзе появился постоянный театр для глухонемых людей, он стал первым в мире театром в данном направлении, смысл речи и переживаний героев передавали через искусство пантомимы, жестов, пластики, танца, также было синхронное озвучивание каждого спектакля диктором.
Централизованная советская власть собирала в Москве и Ленинграде самых талантливых деятелей искусства, в том числе актёров и режиссёров, провинциальные сцены пустели, разница в качестве постановок и актёрской игре была колоссальная.
Одновременно за творческой интеллигенцией тщательно наблюдали, чтобы сократить негативное обсуждение советской власти, не допустить «западных» настроений в речах и произведениях.
Многие писали свои произведения «в стол» и пытались вырваться за «железный занавес» в эмиграцию, во время перестройки так и произошло, что ряд видных деятелей культуры и искусства покинул страну.
Театральная культура современной России
Из-за отсутствия финансирования многие провинциальные театры закрылись, началась миграция людей внутри страны и эмиграция за её пределы, со временем театральная структура обрела чёткие формы и в современной России наметилось несколько направлений:
- Документальный театр
- Иммерсивный театр
- Пластический театр
- Театр художника
- Театр одного актера
Путешественники, посещающие официальную столицу России, с удовольствием ходят на спектакли в «Современник», МХТ имени Чехова, «Ленком», «РАМТ», театр Олега Табакова, «Сатирикон».
В культурной столице России пользуются популярностью вышеупомянутый Большой драматический театр, Александринский театр, театр Ленсовета, Малый драматический театр «Театр Европы».
В качестве материала для пьес драматурги используют нехудожественный текст, например интервью, письма, дневники, стенограммы, статьи, авторы стремятся достоверно показать окружающий мир, поэтому опираются на конкретные факты и реплики очевидцев.
В пьесах этого жанра нет места вымыслу и интерпретациям.
Одна из самых популярных техник документального театра — вербатим, в переводе с латинского означает «дословно», чаще всего артисты сами берут интервью у участников событий и на сцене точно воспроизводят не только сказанное, но и манеру речи героев с акцентом, эвфемизмами и жаргонизмами.
История современного документального театра началась в 1920-е годы в СССР.
В послереволюционные годы страна переживала сильные социальные потрясения и нуждалась в новом искусстве, так в Москве появился агитационный театральный коллектив «Синяя блуза», который рассказывал малограмотному населению о происходящих событиях.
Сегодня главными темами таких спектаклей стали войны и геноциды, политические и социальные проблемы, режиссеры затрагивают вопросы феминизма, свободы вероисповедания, расовой нетерпимости, иммиграции.
В этом жанре для постановщиков главное — сделать зрителей соучастниками действия, посетителям разрешают брать реквизит, разговаривать с актерами или даже выбирать, как будут развиваться события.
Сами артисты могут завязать гостю глаза, отвести его в другую комнату, обнять или пригласить что-то сделать вместе — так зрителей вовлекают в совместное создание спектакля, иногда в иммерсивных представлениях проходят несколько сюжетных линий, каждая из которых развивается в определенном месте.
Зрители сами выбирают, за какой из них они хотят следить, и идут по заданному маршруту, именно поэтому, приходя на шоу во второй или третий раз, гости могут посмотреть новую историю в другой локации - это подталкивает режиссеров переосмысливать сценическое пространство.
Иммерсивный театр зародился в начале XXI века, когда стали популярны видеоигры, первый спектакль в этом жанре поставила британская компания Punchdrunk в 2000 году, но на весь мир она прославилась спустя девять лет — представлением «Sleep No More».
Помимо танца, режиссеры используют пантомиму, стилизованные боевые искусства, театр теней, акробатические и цирковые номера — все, что связано с движением, иногда в таких представлениях полностью отсутствуют слова.
Первые черты пластического театра стали появляться в постановках начала XX века в Российской империи, первопроходцами этого жанра считаются Александр Таиров, Всеволод Мейерхольд, Константин Станиславский, Айседора Дункан, на Западе впервые о пластическом театре заговорил Теннесси Уилльямс.
В предисловии пьесы «Стеклянный зверинец» 1944 года он отметил: чтобы создать правдоподобное драматургическое произведение, нужно отойти от строгих литературных канонов и объединить его со скульптурой, архитектурой, танцем.
В СССР в жанре пластического театра работал режиссер Гедрюс Мацкявичюс, в своих спектаклях он старался как можно реже прибегать к главному средству классической пьесы — слову, вместо этого сюжет и чувства героев режиссер передавал с помощью танцев, для своих представлений Мацкявичюс создавал оригинальные сценарии на основе нетрадиционных драматургических источников: живописных полотен XIX–XX веков, сонетов Уильяма Шекспира, историй из Ветхого Завета.
Костюмы, декорации, реквизит становятся самостоятельными участниками действия и по-своему дополняют смысл произведения, помимо сценографии, в качестве выразительного средства режиссеры иногда используют инсталляции, перформансы и акции, в таких постановках слова часто играют второстепенную роль, главное — внешняя эстетика.
Как отдельный жанр театр художника зародился в Российской империи в конце XIX века, когда меценаты стали приглашать известных живописцев в свои частные оперы оформить спектакли.
Так мастера стали полноценными соавторами представления, а живопись проникла в театральное искусство, позже экспериментировать со сценографией продолжили русские авангардисты Казимир Малевич, Василий Кандинский, Эль Лисицкий.
В Европе эти традиции развивали итальянские футуристы и мастера немецкого Баухауса.
Однако это не значит, что представление создает единственный человек — в производстве могут участвовать режиссеры, драматурги, сценографы и композиторы, иногда актер совмещает все эти роли и ставит свое выступление сам.
Режиссер моноспектакля может инсценировать так называемую монодраму по сюжету единственного произведения или создать спектакль-концерт из нескольких стихотворений, песен, коротких рассказов одного или разных авторов.
В качестве литературной основы в таком сольном представлении используются традиционные пьесы, автобиографии, поэтические сочинения, некоторые из них изначально пишутся под конкретного актера.
Первые выступления, похожие на моноспектакли, появились еще несколько тысяч лет назад, когда артисты ходили по городам и рассказывали мифы и легенды из народного эпоса, затем в этом же жанре выступали греки, английские менестрели и французские трубадуры.
Новое развитие театр одного актера получил в начале XVIII века, когда в узких кругах стали проводить вечера искусств, которые не были рассчитаны на широкую публику, вновь к этому жанру обратились в 60-х годах XX века.
В СССР в театре выступали Леонид Филатов, Валерий Золотухин и многие другие.
